Atelier
L’atelier claquettes dure 1h et n'est accessible qu'aux personnes de plus de 10 ans munies d'un billet pour 42nd Street.
Les chaussures sont fournies.
Nous vous remercions de bien vouloir veiller à bien choisir une séance correspondant aux date et horaire de votre spectacle 42nd Street.
Concert
Lars Vogt direction
Clara Olivares Blue Spine
Félix Mendelssohn-Bartholdy Les Hébrides, ouverture
Lauréate du concours de direction La Maestra direction
Philippe Hersant Dreamtime pour flûte et orchestre
Gabriel Fauré Masques et Bergamasques
Alphonse Cémin direction
Bushra El-Turk création
Claude Debussy Prélude à l’après-midi d’un Faune
Marzena Diakun direction
Betsy Jolas Lovaby
Béla Bartók Danses roumaines
Danse
Disséminés à travers différents espaces du Théâtre, les danseurs réinterprètent des chorégraphies iconiques ou populaires, offrant ainsi au visiteur une anthologie de la danse au XXe siècle et au-delà.
Boris Charmatz a pour cela sélectionné les solos de chorégraphes emblématiques qu’il a associés à des démonstrations de danses populaires pour constituer un répertoire des marqueurs stylistiques depuis la modernité. Il décline ici le principe d’une collection d’archives vivantes, elle-même en mouvement, augmentée pour l’occasion d’une extension vers le XXIème siècle.
Les danseurs seront essentiellement hors de l’espace scénique : la pièce prendra place dans les foyers, galeries, hall et escaliers du théâtre où le public est invité à déambuler. Dépouillé de tout dispositif spectaculaire, sans lumière, ni décor, chaque extrait est simplement introduit par une courte présentation orale.
Raphaëlle Delaunay aux Champs Libres, Rennes @ Nyima Leray
Peinture, cirque, comédie, costumes, décors, lumières... rien n’échappe au talent débordant de Dimitris Papaioannou.
Après The Great Tamer, ovationné au Festival d’Avignon en 2017, il s’impose comme un prodige du théâtre dansé avec Since She, première pièce en grand format créée par un chorégraphe invité avec la troupe du Tanztheater Wuppertal, présentée par le Théâtre de la Ville à La Villette en juillet 2019.
Le Ballet National de Marseille présente des chorégraphies de Lucinda Childs, Lasseindra Ninja, Oona Doherty et Tânia Carvalho.
L’arrivée du collectif (LA)HORDE à la direction du Ballet National de Marseille (BNM) en 2019 marque une césure historique. Avec Marine Brutti, Jonathan Debrouwer et Arthur Harel qui ont fondé (LA)HORDE en 2013, l’éventail des possibles s’étend aujourd’hui au-delà des questions de styles chorégraphiques. A trois, ils ont constitué un véritable think tank autour de la création chorégraphique et chacune de leurs créations a exploré de nouveaux regards et pistes de réflexion. La danse est chez eux un élément intégré dans un rhizome de langages qui répondent les uns aux autres.
En compagnie du jeune pianiste Pavel Kolesnikov, Anne Teresa De Keersmaeker poursuit son long et entêté compagnonnage avec Bach. Après l’ample distribution des six Concertos brandebourgeois, sa précédente création sur la musique de Bach, elle opte cette fois pour un spectacle en solo, qu’elle interprète elle-même.
Elle y reste fidèle au plus décisif de ses principes : fonder ses chorégraphies sur l’étude des partitions musicales. Avec sa trentaine de variations de toutes natures, en effet, la musique des Goldberg lance un redoutable et passionnant défi : inventer une forme dansée en perpétuelle transformation, gravitant pourtant autour d’un foyer immobile. Occasion pour Anne Teresa De Keersmaker de relire le chemin parcouru à la lumière des questions contemporaines, et de sonder la persistance de son désir de chorégraphe.
Installation
Réalisateur à succès de 12 Years a Slave, Steve McQueen est également l’un des plasticiens les plus influents de l’art contemporain.
Habitué à exposer dans les plus grands musées du monde, à l’image du MoMA de New-York, invité aussi bien à la Tate Britain qu’à la Tate Modern, le Britannique investira bientôt le Théâtre du Châtelet avec End Credits.
Il livre un hommage grand public, accessible et émouvant, à Paul Robeson, figure artistique et militante encore trop méconnue.
Lyrique
Certains n'hésitent pas à la considérer comme le point d’orgue de son œuvre, la pièce à retenir s’il fallait en choisir une. L’intensité, dès les premières notes de l’ouverture, la passion du chœur qui fait résonner la spiritualité du texte : la Passion selon Saint-Jean ne laisse personne indifférent, comme en témoignent les nombreuses reprises proposées ces dernières années.
C’est pourtant dans une nouvelle dimension de l’œuvre que Calixto Bieito, directeur artistique du Teatro Arriaga de Bilbao, nous propose de plonger, avec une mise en scène qui donne à l’évangile de Jean une acuité perturbante : « Les textes bibliques sont suffisamment ouverts pour pouvoir les lire de manière non littérale. Ils nous parlent de nos désirs, de nos frustrations, de nos fantasmes et, surtout, d'un profond besoin de croire, au sens le plus simple et le plus complexe du terme ».
Musique du monde
Wael Shawky considère la culture et l'histoire d'un point de vue arabe et montre ainsi qu'il n'existe pas qu’une seule vérité historique. Sa trilogie cinématographique Cabaret Crusades (2010-2015) inspirée du récit d’Amin Maalouf, Les Croisades vues par les Arabes, dans laquelle il a reconstitué les croisades en utilisant des marionnettes en est l’exemple. Wael Shawky a depuis créé une grande installation musicale et théâtrale, une traduction en arabe classique de l’épopée française La Chanson de Roland. Datant du XIe siècle, ce poème épique raconte le combat de Roland contre les Sarrazins dans l’actuelle Espagne.
25 chanteurs de fidjeri interprètent sur scène cette adaptation musicale. Le fidjeri est un style de musique chantée par les pêcheurs de perles des États du golfe Persique, héritage d'une tradition vieille de plus de 800 ans. Cette activité aujourd’hui disparue faisait vivre toute cette région avant la découverte du pétrole ! Les chanteurs de Fidjeri sont célèbres pour leurs performances expressives en solo accompagnées d'une chorale, de percussions et d'une chorégraphie d'inspiration maritime.
Opéra
Féerie lyrique mise en image par le magicien Robert Lepage à la tête d’Ex Machina, sa compagnie québécoise, ce spectacle enchanta le Festival d’Aix-en-Provence sous la houlette de l’Opéra de Lyon, en 2010.
Quel bonheur, une décennie plus tard, de retrouver à l’affiche ce pur enchantement des costumes et de la lumière, où scintillent musiciens, chanteurs, comédiens, marionnettistes et figurines (75, au total) évoluant au fil d’un théâtre fluvial
(7000 litres d’eau dans la fosse d’orchestre !) baigné d’ombres chinoises.
Après Written on Skin, devenu la référence lyrique de ce début de siècle, Lessons in Love and Violence est le nouvel opéra composé par George Benjamin sur un livret de Martin Crimp. Contant la chute du roi Edouard II d’Angleterre, plongé dans le tumulte de la passion qui déchire sa famille et le pays, l’œuvre a été unanimement saluée depuis sa création en mai 2018 à Covent Garden de Londres. Passé par Lyon, Amsterdam, Chicago ou Madrid, l’opéra est présenté pour la première fois à Paris.
Théâtre musical
Deux créateurs passionnés, deux inconnus l’un à l’autre à l’origine d’un projet un peu fou : raconter sur la scène du Châtelet le parcours d’un boli, fétiche animiste, à travers les siècles et par-delà les frontières. Cette épopée musicale qui nous transporte d’Afrique en Europe, du XIIe siècle à nos jours, affronte sans colère et avec passion l’histoire tumultueuse de la rencontre entre deux continents qui se sont trop longtemps ignorés.
Avec ce projet hors norme, Damon Albarn et Abderrahmane Sissako renouvellent notre regard sur le monde autant que les expressions artistiques qui en rendent compte. Musique, chorégraphie, récit en mots, en lumières, en couleurs… Des formes infinies mais un mantra, exposé par le cinéaste mauritanien : « mon rôle dans ce spectacle, c’est de tenir le fil du propos et de parvenir à le partager avec d’autres, de le donner à entendre au public sans que ce soit un cri, il faut que ce soit beau, harmonieux, , émouvant et questionnant ».
Lorsque le film 42nd Street sort, au début des années 1930, l’Amérique traverse en effet une période noire : le krach boursier de 1929 a plongé le pays dans une situation économique dramatique, près d’un quart de la population active se retrouvant alors au chômage. Éprouvant le besoin de s’évader de ses soucis quotidiens, le public se rue dans les salles de cinéma où, à travers des numéros musicaux ébouriffants et des scènes de danse et de claquettes endiablées, les films exaltent la vitalité, le rêve et la volonté de réussite auxquels tout le monde aspire.
Il faudra attendre 1980 pour que 42nd Street passe de l’écran à la scène. Succédant au légendaire chorégraphe Busby Berkeley, Gower Champion met en scène et chorégraphie cette œuvre, qui décrochera le prix du « meilleur musical » et de la « meilleure chorégraphie » aux Tony Awards, et tiendra l’affiche pendant neuf ans à Broadway.
La production de 42nd Street que le Châtelet propose aujourd’hui est la reprise de la mise en scène et chorégraphiée par Stephen Mear (2016), dont on a déjà pu apprécier ici les chorégraphies de On the Town en 2008 et de Singin’ in the Rain en 2015.
Les Justes, la tragédie musicale, d’après la pièce d’Albert Camus revient !
Abd Al Malik en propose une relecture contemporaine avec sa troupe, y mêlant les réflexions de la génération Y sur les inégalités, l’injustice, la politique. Le metteur en scène reprend, pour cette deuxième période, ses ateliers en Seine-Saint-Denis auprès de jeunes, afin d’aiguiser son message et d’être au plus près de la modernité de Camus.
Après le célèbre film de Luchino Visconti, porté par la musique de Mahler, et l’opéra de Benjamin Britten, Ivo van Hove adapte à son tour le roman de Thomas Mann (1912).
Avec le comédien et auteur Ramsey Nasr, il développe le personnage du futur Prix Nobel de Littérature, en proie à une crise artistique et à l’angoisse de la page blanche. Chez lui, à Munich, entouré de sa femme et de la société bourgeoise qu’il fréquente, Mann se met à écrire. Le personnage de von Aschenbach et son amour interdit pour un jeune homme prennent vie sous sa plume. Le compositeur américain Nico Muhly a créé des transitions musicale entre des œuvres de Richard Strauss, Monteverdi, Webern ou Schoenberg afin de mettre en musique les tourments des personnages et les affres de la création artistique.
Le metteur en scène Peter Sellars, le musicien et compositeur Tyshawn Sorey et la soprano Julia Bullock s’intéressent à la figure de celle qui secoua les Années folles parisiennes en faisant triompher la Revue nègre. Mais si l’Américaine Joséphine Baker (qui a pris la nationalité française en 1937) acquiert sa célébrité au music-hall, elle reste tout autant dans les mémoires pour son engagement dans les services secrets de la France libre pendant la Seconde Guerre mondiale. Par la suite, elle apportera son soutien au mouvement américain des droits civiques et à Martin Luther King. Dans sa vie privée, l’immortelle interprète de « J’ai deux amours » montre la même liberté d’esprit, puisqu’elle adoptera une douzaine d’enfants et se mariera plusieurs fois tout en ayant des liaisons avec des femmes.
Variété
Le mariage d’amour sorcier des timbres graves d’Imany et de huit violoncelles.
Avec Voodoo Cello, la chanteuse Imany jette un sort à 8 violoncelles pour transformer des tubes incontournables de l’histoire de la pop (de Nina Simone à Radiohead en passant par Cat Stevens, Donna Summer, Hozier, t.A.t.u., Bob Marley…).
Sans aucun artifice, elle utilise la magie combinée des cordes et de sa voix pour ensorceler les spectateurs et éveiller leurs consciences autour de la puissance du féminin.
Depuis dix ans, la voix grave d’Imany séduit le public français au rythme de compositions nourries de ses inspirations soul, folk et blues. Du triomphe des deux single Don’t be so shy et You Will Never Know, de ses deux albums à la bande originale du film Sous les jupes des filles, Imany enchaîne les succès partout dans le monde. Après une pause consécutive à de longues tournées internationales, Imany retrouve la scène pour marier son timbre de voix aux chaudes sonorités d’un ensemble de violoncelles : voici une rencontre que nous ne pourrions manquer.